El Movimiento de las Arts&Crafts y la conciencia de clase

Sin duda alguna, los dos movimientos artísticos que más influencia han tenido
en el diseño contemporáneo son la Bauhaus y las Arts & Crafts.

Ilustración de Walter Crane para la revista El Camarada, de 1905

William Morris

Sin embargo, aunque se suele hacer justicia sobre lo importante de sus logros y su determinante efecto de modelado que tuvieron sobre etapas posteriores, rara vez se mencionan sus raíces ideológicas ni el fermento cultural en el que nacieron y se desarrollaron. Esto es así en ambos casos, pero si cuando hablamos de la Escuela de la Bauhaus es casi imposible no hacer referencia al nido de comunistas constituido por el núcleo duro de los artistas que dinamizó sus producciones, en el caso del Movimiento de las Arts & Crafts apenas se menciona su origen como movimiento puramente socialista.

News of Nowhere, publicado por The Commonweal

William Morris, por ejemplo, no solo fue el máximo exponente de este movimiento artístico, sino que también fue cofundador, junto con Eleanor Marx (hija de Karl Marx) y Walter Crane, de la revolucionaria Liga Socialista, de la que llegó a ser presidente, editor y redactor de su influyente órgano oficial, el periódico The Commonweal, distinguiéndose tanto por su labor cultural como por su faceta de agitador político, que incluye no solo charlas, artículos o conferencias, sino, incluso, una novela del género de anticipación, que narraba el paso del capitalismo al socialismo: News from Nowhere or An Epoch of Rest (publicado en español como Noticias de ninguna parte).
Podemos descubrir tras un somero análisis que la mayoría de los postulados del Movimiento de las Arts & Crafts tienen raíz socialista, incluso los que a primera vista pareciera que, por su carácter tradicionalista, están más alejados de este. Es el caso del neogoticismo o la fascinación por el medievalismo. Sin embargo, esto es consecuencia lógica del socialismo: el industrialismo y el liberalismo ingleses habían tenido como consecuencia la creación de grandes masas de obreros viviendo en las míseras condiciones retratadas con desgarro por Charles Dickens, y no ejercían otra cosa que rechazo entre la izquierda inglesa.

Kathedrale, grabado de 1919 de Lyonel Feininger

La esencia estética de las Arts & Crafts se basó, de hecho, en la idealización de un periodo medieval en el que los obreros eran a la vez artesanos que se asociaban en guildas (gremios) y cuyo fin último no era el afán de lucro, sino el trabajo bien hecho. El culmen del trabajo medieval y el esfuerzo colectivo era, desde este punto de vista, la catedral gótica, obra coral donde el trabajo individual se diluía en la obra total (de hecho, Lyonel Feininger imaginó la Bauhaus de los primeros tiempos como una enorme y moderna catedral, en la que todos los trabajos y  artistas se implican en un mismo fin).
Pero, al mismo tiempo, constituía una auténtica rebelión ideológica contra las élites políticas y económicas del periodo Victoriano, cuyo referente estético era el clasicismo academicista y para quienes el estilo gótico era tenido por vulgar, propio de espíritus poco cultivados y de las masas de desarrapados. En este sentido, son épicas las diferentes posturas que enfrentaron a John Ruskin (pilar de la filosofía estética de las Arts & Crafts y del neogoticismo) y el pintor Whistler (uno de los exponentes del elitista esteticismo).

Ilustración de Walter Crane

El Movimiento de las Arts & Crafts puso su énfasis en la dignificación del trabajo, ya que por entonces la producción industrial había convertido a los trabajadores en seres alienados, despojados de su humanidad. Para hacerlo era necesario romper el orden burgués, y nada mejor para ello que acabar con los intermediarios, haciendo que fueran los propios trabajadores quienes, en relación directa con el cliente, personalizaran su trabajo y lo adaptasen a las demandas del público, pidiendo por ello un precio digno. Todo ello solo es posible si tanto cliente como productor acaban satisfechos tras la transacción, lo que implica un trabajo bien hecho, unos materiales de primera calidad, la utilidad del producto y un diseño bello e individualizado, señas de identidad de las Arts & Crafts.

Ilustración de Crane donde se muestra el apoyo a la Comuna de París en una filacteria y se representa a la clase obrera como una mujer con vestimenta humilde con los símbolos representativos de la industria, el trabajo y las artes a sus pies. Aparecida en The Commonweal en 1887

La estética socialista también debe gran parte de su iconografía al Movimiento de las Arts & Crafts. De hecho, el realismo socialista de la posguerra europea y la heráldica socialista se nutrieron de manera directa de sus obras, destacando sobre todo los alegatos visuales de Walter Crane , que aunque más conocido como ilustrador de cuentos populares, como Caperucita roja o El príncipe Feliz, fue, sobre todo, un agitador gráfico autor de símbolos tan usados como las guirnaldas ceñidas de filacterias (que darán lugar a los escudos de las Repúblicas Socialistas), los medallones conteniendo a los héroes de la clase obrera (como en su célebre ilustración en homenaje a los anarquistas de Chicago) o las figuras alegóricas del Socialismo como joven alada con el gorro frigio.
El Movimiento de las Arts & Crafts no fue, por tanto, un mero movimiento artístico o estético, sino la toma de posición política de quienes producían la riqueza para dignificar el trabajo y el arte, pero extendió su influjo al resto de la sociedad precisamente por entender que el binomio bello-digno debía situarse en como aspiración central de la producción, tanto artística como industrial. En palabras del propio William Morris:
"Todos estos son esclavos de lo que se llama el lujo, que en el sentido moderno de la palabra comprende una masa de riqueza falsa, invento del comercio competitivo y que esclaviza no solo a los pobres que están obligados a trabajar en su producción, sino también a los desventurados y bastante infelices que las compran para atormentarse con su estorbo."

De Arte y Socialismo, 1884.

Fundamentos del Arte I. Libro de texto gratis

Aunque todo el mundo se esperaba que el nuevo gobierno de Castilla- La Mancha paralizaría la entrada en vigor de la denostada LOMCE, no fue así. A lxs docentes nos ha pillado con el paso cambiado, especialmente en el caso de los cursos en los que dicha entrada en vigor ha sido este mes de septiembre.
En el caso de 1º de Bachillerato, hay algunas materias que desaparecen y otras de nueva implantación, como Fundamentos del Arte, materia bianual de la que casi nadie tiene material preparado y ni siquiera existen libros de texto, ya que las editoriales han estado esperando hasta el último momento y al final no les ha dado tiempo.
Por eso mismo, lxs docentes tenemos la obligación moral de preparar dichos materiales, sobre todo quienes trabajamos en la Educación Pública, que debería ser realmente pública, gratuita y de calidad.
Os dejo el enlace a un libro de texto para la materia, por supuesto gratuito y bajo licencia no privativa (Creative Commons), en la línea de lo que están haciendo muchxs compañerxs a lo largo y ancho de todo el Estado, como el grupo de trabajo madrileño de "Textos Marea Verde", con quienes espero colaborar.
El libro se ha hecho a toda máquina, por lo que seguro que tiene errores de bulto, erratas tipográficas y algún que otro gazapo, que espero que localicéis y me lo comuniquéis para solucionarlo.
Las imágenes son todas del dominio público o bajo licencias no privativas (Creative Commons), cada una etiquetada para poder acceder a la fuente, que es lo que más trabajo ha dado.
Se puede descargar desde Dropbox, pinchando aquí, o desde Bubok, pinchando aquí.
Que aproveche.

Soneto a Lilia Brik

Altiva, eterna, bella, militante,
proletaria feliz, pionera eterna,
alegre, juvenil, futura, tierna,
fugaz condensación, brillo distante.

Maiakovski quebró su voz errante
en tu risa de musa ultramoderna,
y entre vodka y vapores de taberna
Rodchenko te hizo diosa en un instante.

Con la cabeza erguida (y la entrepierna)
el Ogro de Moscú fue un diletante
rendido ante la aurora de tu frente,

porque más que pasión fuiste galerna,
inspiración de genio y de gigante,
infloración de lava incandescente.

"Alexander Rodchenko Books" by Alexander Rodchenko - https://www.flickr.com/photos/33255628@N00/3299286859/. Licensed under CC BY 2.0 via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Alexander_Rodchenko_Books.jpg#mediaviewer/File:Alexander_Rodchenko_Books.jpg

Josep Renau

De entre todos los artistas gráficos españoles del periodo de entreguerras destaca la figura del valenciano Josep Renau (Valencia, 1907- Berlín, 1982), sin duda el mejor cartelista español de todos los tiempos. Renau, que murió en 1982 en la RDA, no sólo es famoso por los incontables carteles e ilustraciones realizados en España durante la etapa de la República, sino que destaca también como genio del fotomontaje (fue uno de los introductores del color en este campo), como teórico del cartel (escribió Función social del cartel publicitario), como fundador y colaborador de varias revistas y como militante comunista.

Militante del Partido Comunista de España desde 1931 (desde los 24 años), en Renau es casi imposible separar su faceta política de la artística. En 1932 fundó, junto a otros, la Unión de Escritores y Artistas Proletarios, organización desde la que dinamizó la cultura española del periodo de la República y que le llevó a ocupar la Dirección General de Bellas Artes en 1936. En este periodo se tuvo que encargar de misiones tan delicadas como la custodia y evacuación de las grandes obras de los museos nacionales, para ponerlas a salvo de los bombardeos y la rapiña de los fascistas, y también proyectó el famoso Pabellón de la República Española de la Exposición universal de París de 1937, en el que colaboró la flor y nata del arte español, desde el arquitecto Sert, hasta Miró o Picasso, realizando para el Pabellón su mejor obra, el Guernica.

Las influencias de Renau beben directamente de las vanguardias artísticas: del constructivismo ruso asimiló la interacción armónica de tipografía y fotografía, los colores planos y la disposición no ortogonal de los textos; de los cubistas asumió la concepción geométrica del espacio y la huida de la perspectiva unifocal, además de la volumetría típica del Art Déco; del futurismo, las líneas cinéticas y las alternancias tonales; y, sobre todo, del dadaísmo alemán las técnicas de fotomontaje experimental, en la línea de Hanna Höch o de su camarada John Heartfield, o la irreverencia temática de Grosz.

Sin embargo, Renau supo evolucionar con los tiempos. Así, cuando su compromiso político le exigió abrazar una concepción estética acorde con los presupuestos exigidos por la Komintern, Renau fue abandonando paulatinamente la vanguardia por el realismo socialista, en aras de un arte para el pueblo, al alcance de todos. Fruto de este compromiso es, por ejemplo, el famoso cartel que llama a reforzar las filas del Partido Comunista.

Aunque Renau es más conocido en España por su labor como cartelista, también fue un excelente muralista cuya obra se ubica en lugares tan distintos como México (donde trabajó con el mismísimo Alfaro Siqueiros), Valencia o Alemania. 

Pero es en el fotomontaje donde Renau saca el mayor partido a su ingenio. Sus mejores obras se insertan en un periodo estríctamente contemporáneo al Pop Art americano y tocan unas temáticas muy parecidas, pero alejadas diametralmente del enfoque de los desenfadados autores norteamericanos. donde aquellos ponen descaro y humor, Renau pone sarcasmo ácido y corrosivo, donde vierten ridículo Renau pone patetismo, y donde en los Estados Unidos no se va más allá de una sana autocrítica, Renau antepone la denuncia social y señala directamente a los culpables de los males de un sistema que no funciona: el capitalismo. En la serie American way of life, que jamás se exibió en los EEUU, Renau se muestra en la plenitud de su obra.

Al final de su vida volvió a recuperar el lenguaje de vanguardia y diseñó en su país de adopción (la República Democrática Alemana) enormes murales en azulejo, de los cuales el titulado  La relación entre el hombre y la naturaleza y la tecnología, en Erfurt,  fue su última gran obra antes de morir.

 La obra de Josep Renau fue injustamente olvidada en España durante la dictadura fascista de Franco. Sin embargo, tras el centenario de su nacimiento se ha vuelto a reavivar el interés en este gran artista y se ha rehabilitado su figura, sin duda la de uno de los mejores artistas gráficos de todos los tiempos.